000.00** ALREDEDOR DE LAS BELLAS ARTES

Por Benito de Diego González

0.- INTRODUCCION

Los que tienen la vida organizada, de alguna forma, dentro del “mundo del arte”, vienen experimentando un cierto desasosiego, al observar la honda transformación que, desde hace tiempo y de manera creciente, viene mostrando un segmento del mismo, que se concreta en la frecuente y abundante aparición de “propuestas”, que, amparadas en la denominación de origen “Arte” y normalmente adjetivado como “Moderno”, “Contemporáneo” o “Actual”, han invadido lugares en los espacios culturales tradicionalmente reservados a las bellas artes y más concretamente a las artes plásticas, que, por el contrario, se van viendo paralelamente preteridas.

Asimismo, los artistas plásticos van siendo día a día, más y más relegados por instituciones públicas y privadas, que dedican la mayor parte de sus presupuestos, a la divulgación del llamado “arte moderno”.

Como consecuencia de ello, los artistas de las bellas artes y sus coleccionistas se muestran profundamente desorientados al no entender las causas de este fenómeno, que está perturbando notablemente el mundo del arte y su correlativo mercado.

No son minoría quienes, ante el panorama que presentan determinadas muestras de estas manifestaciones, se han preguntado en privado y con frecuencia: Pero ¿es esto arte? Sin atreverse a pregonar sus dudas en público, debido a un comprensible pudor procedente de la presión que sobre ellos ejerce el “pensamiento único” impuesto, que nace de aquellos cenáculos elitistas, que dicen ser los adelantados de la cultura, abriendo camino al progreso y que pregonan, simultánea y paradójicamente, la universalización del arte, que, sin embargo, cada día está más limitado a  ser comprendido y “consumido” por reducidas minorías muy intelectualizadas, ideologizadas y con fuertes intereses crematísticos, dado además la naturaleza efímera de la mayoría de sus propuestas.

Este ensayo pretende ahondar en el fenómeno y en sus causas y aclarar determinados conceptos de este pensamiento y de las teorías que lo sustentan, poniéndolos en sus justos términos, analizando, primero, qué se entiende por arte en el contexto actual, acometiendo después un estudio crítico de lo que al presente se denomina obra de arte, para terminar esbozando unas definiciones de las categorías: Arte, Obra de arte y Artista, para desarrollar, finalmente, una clasificación o tipificación de las distintas artes que hoy se desarrollan, como aportación importante de este trabajo, lo que permitirá al observador diferenciar, ante qué tipo de arte está situado, habilitándole para distinguir si está ante una exposición de las Bellas Artes, o por el contrario está contemplando una manifestación de Performing, o ante una demostración de Arte Conceptual, puesto que, en la actualidad, para confusión del público interesado en las artes, estas tres distintas artes suelen presentarse simultáneamente en los mismos espacios y de forma coincidente, cuando son, como se verá, artes de muy distinta naturaleza.

Es muy posible que, en esta confusión de naturalezas, radique la causa por la que el pensamiento teórico y filosófico no encuentra respuesta a la trascendental pregunta de qué es arte, ya que en sus discursos y razonamientos contraponen, implícita o explícitamente, las artes nuevas a las artes plásticas, hablando continuamente de la obra u objeto de arte, y omitiendo cualquier referencia a la obra musical, poética, narrativa, teatral o de cualquier otra naturaleza.

Es un texto polémico, que pretende, sobre todo, abrir un debate sobre la cuestión, rompiendo tabúes, prejuicios y sobreentendidos, situando sobre la mesa elementos críticos que obliguen a plantearse una revisión de los principios y los postulados sobre los que se apoya la estructura lógica y epistemológica de la teoría del “arte moderno”, hoy aceptados de forma apriorística por la mayoría de quienes defienden a machamartillo sus formulaciones conceptuales.

Para la realización de este ensayo nos hemos valido, fundamentalmente, de dos trabajos (vid. Bibliografía), ambos compilatorios del pensamiento teórico sobre la materia, que con metodologías diferenciadas, la de la profesora Freeland más inductiva, como corresponde a la idiosincrasia “americana”, que se apoya esencialmente en la experiencia, en la observación de los hechos, y la del profesor Jiménez, más deductiva siguiendo pautas de análisis más filosóficas de la tradición “europea”. La mayoría de los entrecomillados son menciones “verbatim”de los textos, que pertenecen o a uno a o a otro de los autores referenciados.

El ensayo se estructura, como se ha dicho, en tres partes, siguiendo una secuencia lógica.

En la primera, se analiza la evolución del significado, o más bien, de la definición del concepto arte y del estado de la cuestión en el presente, para llegar a la conclusión de que, hoy por hoy, el tradicionalmente denominado “Mundo del Arte”, ahora reconvertido a “Institución Arte”, (por obra de algunos señalados filósofos y críticos de arte), se siente incapacitado para decir qué cosa es arte, o por el contrario, qué cosa no es arte, dejando al observador un campo amplio a su juicio crítico y desierto de conceptos y pautas, lo que le va a permitir afirmar, sin riesgo a error conforme a esos criterios, que el acto u obra, que ante él se presenta, no es arte, o sí es arte, según su criterio, que el “juicio del gusto” y su capacidad de discernimiento le dicten, ya que el término arte ha dejado de ser un elemento con entidad objetiva, para pasar a ser un concepto de estricta consideración subjetiva.

Ante esta situación, nos revelamos, pues está carente de entidad ontológica y se fundamenta en opiniones interesadas y en razonamientos carentes de rigor epistemológico, lógico y analítico.

En la segunda parte, se analiza la obra de arte y a través de esta análisis se llega a definir qué es una obra de arte, pasando primero por formalizar una definición de arte y del artista, como creador de arte, mostrando la falacia que encierra la actual definición de arte, como aquello que el artista realiza o produce.

Finalmente, en la tercera parte se acomete la clasificación funcional de las diversas artes, que hoy se practican y de aquellas que las nuevas tecnologías van a permitir desarrollar en el inmediato futuro y que en el presente ya presentan signos incipientes de factibilidad.

SUMARIO

1   .- EL ARTE Y LAS BELLAS ARTES
1.1.- UNA APROXIMACIÓN AL CONCEPTO ARTE  (pág.4)
1.2.- QUÉ PUEDE SER EL ARTE (pág. 14)
2   .- HACIA UNA DEFINICIÓN DEL ARTE
2.1.- TEORÍA DE LA OBRA DE ARTE (pág.19)
2.2.- DEFINICIÓN DEL ARTE (pág.38)
3  .-  HACIA UNA CLASIFICACIÓN Y TIPIFICACIÓN DE LAS ARTES
3.1.- TEORÍA DE LAS ARTES (pág.39)
3.2.- CUADRO SINÓPTICO DE LAS ARTES (pág.47)
3.3.- COROLARIO (pág.51)
4   .- A MODO DE CONCLUSIÓN (pág.51)

008.2* CARLOS BOIX - SWAP - C. C. Pérez de Riba - Las Rozas (madrid)

Nace Carlos Boix en la Habana el 14 de Junio de 1949. Se educa y crece en su tierra natal y allá por el año 1980, frisando los treinta años, se traslada a Estocolmo. Reside posteriormente, -alma cosmopolita- , en Argel, Túnez, París, Ginebra y, finalmente, en Madrid desde 2009. Todo este periplo vivencial y cultural impregna y late en su obra, emanando de su yo más íntimo.

Una primera mirada a la exposición basta para comprender que nos hallamos ante un surrealista, no sólo en lo aspectos formales, acaso también en su fondo vital e intelectual, que brota enérgico de los trazos con que dibuja sus fantasías, que guardan un fuerte correlato con la “escritura automática”, en la que el surrealismo condensaba la expresión material de su filosofía, que aspiraba a la destrucción de todo mecanismo intelectivo, intentando alimentar la creatividad directamente desde el subconsciente, desde el sueño, la alucinación, excluyendo los mecanismos racionales en la mayor medida de lo posible. Que sea el dramaturgo Fernando Arrabal, quien redacta el proemio del catálogo, ratifica aún más esta apreciación.

Digamos que nos encontramos ante un dibujante, que se expresa más con este medio, que con los colores de la pintura. Boix no dibuja pintando, sino que dibuja sobre manchas de colores, aplicando luego el “dripping”, que los pintores de la “Action Painting” idearon por los años cuarenta. Por lo que respecta a su paleta, Boix emplea, en porcentaje mayoritario, tan solo el negro, ( y/o azul marino oscuro), y el blanco, matizando el dibujo sobre fondos grises de distintas intensidades. En los otros emplea toda la gama de colores, entonando cada cuadro alrededor de un color dominante.

007.2** ON & ON - ARTE EFÍMERO - La Casa Encendida - Madrid

Dicen los comisarios de esta muestra, una de las muchas variantes con que se nos presenta el llamado “arte conceptual”, que en ella: “Entramos en contacto con nuestras sensaciones y con nuestra memoria. Observamos también el proceso de transformación constante que rodea a las obras y, como nuestra experiencia no será la misma si volvemos mañana: las velas estarán algo derretidas, los pájaros se posarán sobre otra cuerda, la lluvia que caía sobre Nueva York empezará a secarse y el piano tendrá otro sonido,…”. Experiencia esta que no creemos se produzca en ningún caso, pues es dudoso que alguien vuelva una segunda vez, para comprobar que unas velas se han consumido tras haber estado encendidas durante muchas horas, o que unas fresas han iniciado su proceso de putrefacción,… ya que estas experiencias y otras de similar naturaleza la tenemos a diario, sin necesidad de desplazarnos a un lugar concreto.

Proclaman que la tesis de la exposición es lo efímero, que “es el indudable protagonista de la muestra: frente a lo permanente, lo duradero, frente a la obra de arte que se mantiene inerte. El hecho artístico a través de la magia del instante, de la poesía del presente”.

Enfática frase cuajada de apriorismos, como es titular de inerte a una obra de arte permanente. Uno se pregunta: ¿Quién se atreve de adjetivar de inerte al “Guernica” de Picasso, o al “Beso” de Rodin, pongamos por ejemplo, sino se vive en una burbuja defensiva? 

006.2* CARLOS AQUILINO - Angeles Penche Galería de Arte-Monte Esquinza, 11. Madrid

Nos acercamos de nuevo a esta Galería, en la que Ángeles y Cesar presentan la obra del  madrileño Carlos Aquilino, pintor inicialmente autodidacta, con una ya granada y larga carrera que se extiende a lo largo de los últimos treinta y cinco años.

Nos acercamos de nuevo a esta Galería, en la que Ángeles y Cesar presentan la obra del  madrileño Carlos Aquilino, pintor inicialmente autodidacta, con una ya granada y larga carrera que se extiende a lo largo de los últimos treinta y cinco años.

Si el surrealismo es un “automatismo psíquico puro, mediante el cual se intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo el funcionamiento real del pensamiento”, como lo definió uno de sus fundadores y mayor teórico del mismo, André Breton, el pintor Carlos Aquilino es sin duda un surrealista.

005.1** ALREDEDOR DE UNA EXPOSICIÓN - NUEVOS REALISMOS 1957 - 1962 - LA CAIDA DE UN MITO

Inaugurada el 16 de Junio de 2010, estuvo esta muestra en el Museo Nacional Centro de Arte reina Sofía, (MNCARS), hasta el 4 de Septiembre del mismo año.

Supuso una excepcional oportunidad para ver reunidas  piezas creadas por el grupo de artistas que, proviniendo del arte abstracto, (culminación de las vanguardias de principios del siglo XX), pretendieron superar ese techo artístico, (sobre todo en las bellas artes y, aún más concretamente, en las artes pláticas), para encontrar nuevas vías expresivas, lo que, inevitablemente les conduce a romper los límites epistemológicos del arte, para adentrarse en terrenos, que su proto-antecesor, Marcel Duchamp, ya había investigado, con sus Ready-Made, (en la exposición se exhibía la “Percha para botellas”, que, por cierto, nunca Duchamp firmó como ready-made), que son objetos de uso común, elevados a la categoría de objetos artísticos por la sola decisión del artista, que como tales los define y firma, dando prioridad a la “idea” antes que al “objeto”. Así, independientemente de las lecturas que del contenido frecuentemente sexual tienen sus obras, su significados se sitúan entre el psicoanálisis y los cuestionamientos académico de las artes plásticas. Elementos que igualmente se encuentran en las obras del Nuevo Realismo que se presentaban y en sus consecuentes, cuyo último eslabón al día de hoy lo constituye el llamado Arte Conceptual.

004.1* LÓPEZ HERRERA. Galería de Arte Kreisler. Madrid

Precedido de una larga y fecunda carrera como pintor, que comenzó en 1972 con veintiséis años de edad, presenta López Herrera en Kreisler una magnífica “Colección 2010” de óleos de distintas dimensiones, constituida por sus obras más recientes.

Aunque este artista es largamente conocido en los medios de las artes plásticas, no me resisto ha transcribir una breve biografía, con especial hincapié en los aspectos artísticos de la misma, pues siempre conviene refrescar algunos datos, que interesan al aficionado.

003.1* J.A.LEGORBURU. PAISAJES Y ARQUITECTURAS. Victor i Fills Art Gallery. Madrid

Legorburu, nace en Zarauz en 1952 y estudia Arquitectura Técnica en Burgos, así como Diseño e Interiorismo. Con quince años, ya obtiene el primer premio guipuzcoano de pintura al óleo, pero es en 1980 cuando realiza su primera exposición individual, desarrollando desde entonces una intensa carrera como pintor, actividad que alterna con la labor docente en Artezaleak, en donde imparte clases de pintura al óleo.

En el 2008 se encarga de la realización de una instalación permanente, denominada “Coloquio de Tubos”, formada por cinco tubos de hierro pintado y collage, con frases del escritor Ángel Lerchundi, expuesta permanentemente en una calle de Zarauz.

Es la pintura de Legorburu intensamente colorista.